¿Alguna vez has querido echar un vistazo a la vida privada de tu pintor favorito? Pues puede que tengas suerte. Acompáñanos en un viaje alrededor del mundo, mientras exploramos nueve casas pertenecientes a algunos de los artistas más célebres de la historia. Ahora museos públicos o casas privadas, estas propiedades aún conservan ciertos elementos de diseño de la época en que residían sus respectivos artistas.

Haz clic o desplázate para sumergirte en los mundos de estos excéntricos creativos, empezando por la villa francesa de Pablo Picasso...

El artista surrealista español Salvador Dalí alcanzó fama internacional en vida tanto por sus originales e inusuales obras de arte como por su excéntrico estilo personal. Inspirado por una combinación de los antiguos maestros del Renacimiento, el Impresionismo y el Cubismo, Dalí desarrolló su propio estilo artístico, que denominó "misticismo nuclear", caracterizado por imágenes extrañas y "oníricas" en numerosos medios.

A lo largo de una carrera que abarcó casi siete décadas del siglo XX, Dalí creó un legado que influiría en otros artistas surrealistas, así como en el desarrollo del arte pop.

En 1930, a la edad de 26 años, Dalí compró una cabaña de pescador en el pueblo pesquero español de Portlligat. El espacio compacto atrajo a Dalí, que esperaba que la estrechez sirviera de incubadora para su visión creativa.

"Lo quería bueno y pequeño", escribió más tarde en su autobiografía, "cuanto más pequeño, más parecido a un útero".

Su intención original para el espacio era una habitación de unos 4 metros cuadrados, que serviría de comedor, estudio y dormitorio, con un tramo de escaleras que conducía a una cocina y un dormitorio.

Sin embargo, en el transcurso de los 40 años siguientes, a medida que la cabaña se convertía en la residencia principal del artista, Dalí fue acumulando los edificios colindantes, hasta que finalmente amplió su hogar a cuatro cabañas contiguas para crear un laberíntico refugio junto al mar.

Fue aquí donde Dalí pintó su obra posiblemente más famosa, La persistencia de la memoria, que representa un surtido de relojes de bolsillo que parecen fundirse.

Hoy en día, la casa es un museo abierto al público y permanece en gran medida como Dalí la dejó, repleta de obras de arte y chucherías coleccionadas por el artista a lo largo de los años. Empezando en el vestíbulo principal, conocido como el Vestíbulo del Oso, la casa se expande por medio de muchos pasillos estrechos y pasadizos ciegos, que conectan las cabañas separadas a lo largo de varias plantas.

La casa está construida a lo largo de un acantilado con vistas al mar, por lo que hay muchos ligeros cambios de nivel y escaleras de caracol al pasar de una habitación a otra.

En lo alto de la casa, una terraza de terracota con cuatro piscinas rectangulares reflectantes ofrece una vista espectacular del puerto y el mar, aunque la vista está dominada por un gran huevo escultórico, uno de los muchos que hay en la propiedad.

El huevo era una imagen habitual de Dalí que aparecía en muchas de sus obras de arte y que pretendía simbolizar la esperanza y el amor por sus asociaciones prenatales.

Nacido en 1881 en el seno de una familia acomodada de Málaga (España), Pablo Picasso es conocido en todo el mundo por su obra innovadora y su prolífica producción. Pintor, escultor, ceramista y grabador, entre las obras más conocidas de Picasso figuran los cuadros Las señoritas de Avignon y Guernica, pero quizá no estemos tan familiarizados con su vida hogareña.

Aquí está fotografiado en 1966 en Francia, donde vivió en la elegante Villa La Californie de Cannes.

La gran villa de tres plantas se construyó en 1920 en el elegante barrio de La Californie de la ciudad costera. Picasso vivía en la zona desde la década de 1940, pero no fue hasta 1955, a la edad de 74 años, cuando compró la impresionante casa con su segunda esposa, Jacqueline, que entonces tenía 28 años.

Picasso pintaba a menudo en el balcón superior, captando las impresionantes vistas de la bahía de Cannes.

Picasso transformó el salón de la casa en su estudio, llenándolo rápidamente con sus pinturas y esculturas. Se dice que utilizó elementos de la villa en sus cuadros, describiéndolos como "paisajes interiores".

Aquí aparece fotografiado con el marchante de arte Daniel-Henry Kahnweiler en 1957. Kahnweiler creía que el Mediterráneo se convirtió en la "nueva patria" de Picasso durante esta época. Picasso amaba tanto la zona que incluso compró un castillo del siglo XIV, el castillo de Vauvenargues, cerca de Aix-en-Provence.

A primera vista, la habitación parece muy diferente en esta foto tomada en junio de 2013. Sin embargo, al compararla con la imagen anterior, puedes ver que el elegante esqueleto de las habitaciones sigue presente.

La nieta de Pablo, Marina Picasso, heredó la villa cuando solo tenía 22 años y la puso a la venta en 2015. Aunque al parecer recibió una oferta de $140 millones (unos 130,2 millones de euros) por la casa, Marina reveló que guardaba recuerdos "dolorosos" de su infancia. Recuerda que su padre, Paulo, sin dinero, la llevaba a las puertas de la gran casa para pedir limosna a su indiferente padre.

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Picasso vendió Villa La Californie en 1961, después de que su vista al mar quedara bloqueada por un nuevo edificio. Se trasladó a 20 minutos de allí, al Château de Vie, en Mougins, que sería su última residencia. A partir de entonces, Jaqueline llevó una vida tranquila y recluida, lo que permitió a Picasso centrarse en su arte, y lo hizo con gran éxito. Solo entre 1968 y 1972 pintó más de 100 cuadros y realizó cientos de grabados.

Murió a los 91 años en abril de 1973, dejando tras de sí un legado artístico incomparable.

Pierre-Auguste Renoir fue un destacado pintor impresionista francés, conocido sobre todo por sus celebraciones artísticas de la belleza y la sensualidad femeninas. Renoir se especializó en el retrato, aunque sus obras más famosas presentan bulliciosas escenas de multitudes, como su Baile en Le Moulin de la Galette y Almuerzo en la Fiesta Náutica.

Aunque Renoir disfrutó de un éxito razonable durante su vida, su popularidad y renombre, como el de muchos pintores impresionistas, ha aumentado considerablemente desde finales del siglo XX.

Desde 1896 hasta su muerte en 1919, Renoir y su esposa, Aline Charigot, pasaron los veranos en esta encantadora casa de campo de Essoyes, un pintoresco pueblo de la región francesa de Champaña-Ardenas. Renoir era un parisino robusto, que se trasladó al campo a regañadientes a instancias de su esposa.

Sin embargo, pronto se enamoró del bello entorno rural, que llegó a inspirar su obra, motivándole a pintar "casi a diario".

Hasta que pudo permitirse construir un estudio, Renoir pintaba en el piso de arriba de su casa, convirtiendo su modesto dormitorio en un desordenado espacio de trabajo.

Con el tiempo, pudo permitirse añadir un pequeño estudio al fondo de su jardín, y hoy los huéspedes pueden visitar este oasis salpicado de pintura donde el artista inmortalizó sus nuevos temas favoritos: sus hijos, su niñera e incluso las lavanderas locales en plena faena, lavando la ropa en el arroyo.

El interior de la casa es bastante rústico, reflejo de los modestos medios del artista cuando él y su familia la ocuparon, aunque sigue siendo cálido con el característico estilo campestre francés. Los visitantes pueden explorar la cocina, el salón, el comedor y los tres dormitorios de Renoir, Aline y los niños respectivamente.

También se expone la silla de ruedas de Renoir, en la que el artista fue confinado cuando empezó a luchar contra una artritis aguda, declarando que prefería dejar de andar antes que pintar.

La casa de verano de Essoyes siguió siendo propiedad de la familia Renoir hasta 2012, cuando la bisnieta del artista, Sophie Renoir, vendió la propiedad al ayuntamiento de Essoyes.

Tras un proyecto de renovación de 1 millón de euros ($1,1 millones, aproximadamente), la casa se reabrió al público como museo en junio de 2017.

Quizá el artista más célebre de Alemania, Alberto Durero (en alemán, Albrecht Dürer) fue una estrella brillante del Renacimiento alemán. Nacido en mayo de 1471, Durero nació y trabajó en Núremberg, que era una de las ciudades artísticas y comerciales más importantes de Europa en aquella época.

Se le conoce sobre todo por obras como un óleo a gran escala titulado La fiesta del Rosario y una acuarela de una liebre joven, así como por una serie de inquietantes autorretratos. Su obra es tan querida que su casa medieval está abierta al público desde 1871. Hagamos un recorrido...

Durero se mudó a esta impresionante casa de piedra arenisca con entramado de madera en 1509, en el apogeo de su carrera. Se alza en una plaza junto a la Tiergärtnertor, una puerta de la muralla de la ciudad que data del siglo XIII. La casa y la plaza han sido durante mucho tiempo un popular destino turístico; el pintor inglés JMW Turner las dibujó en 1835.

Sorprendentemente, tanto la casa como la puerta sobrevivieron al bombardeo aliado del casco antiguo de Núremberg en 1945. Curiosamente, la plaza también alberga un "búnker del arte" de la Segunda Guerra Mundial, donde se ocultaban tesoros históricos de los ataques aéreos en una red de sótanos secretos.

Construida hacia 1420, la casa fue renovada justo antes de que los Durero la compraran. Alberto vivió en la casa con su esposa Agnes y su madre, así como con algunos de sus alumnos y aprendices. Es posible que recibieran a invitados notables en este salón, que se reformó en 1880 para reproducir el estilo de la época de Durero.

Fíjate en los cristales de las ventanas y en los sillones medievales de cruz. La habitación es muy parecida a la representada en el grabado de Durero de 1514 San Jerónimo en su estudio y puede darnos una idea de los objetos y muebles que tenía Alberto en su casa.

En el primer piso de la casa histórica, la cocina conserva el hogar original en el que los criados de Durero preparaban las comidas de la familia.

Puede parecernos un asunto sencillo, pero ofrece una rara visión de la vida cotidiana de los ciudadanos ricos a principios del siglo XVI.

En el segundo piso, este estudio de artista se creó en el siglo XIX uniendo a golpes un dormitorio y una sala de estar. Contiene todas las herramientas del oficio de Durero, mientras que una habitación contigua alberga una reproducción de una imprenta de cobre a tamaño natural basada en un dibujo de una del artista.

Durero dejó su mayor huella en la historia del arte con sus grabados. Llevó la xilografía a nuevas cotas de "virtuosismo técnico, alcance intelectual y profundidad psicológica", según el Museo Met de Nueva York.

Cuando piensas en pinturas icónicas, es probable que te vengan inmediatamente a la mente varias de Leonardo da Vinci. Auténtico hombre del Renacimiento, Da Vinci no solo pintó La Última Cena en 1498 y la Gioconda en 1503, sino que también dejó un importante legado en el mundo de la ciencia.

El gran artista y pensador vivió en un apartamento de Bolonia, Italia, antes de trasladarse a un hermoso castillo francés, donde falleció en 1519...

Construido en 1471, el Chateau du Clos Lucé se alza en el hermoso valle del Loira, escondido en una estrecha calle de la ciudad de Amboise.

Leonardo se instaló en el castillo en 1516, invitado por el rey Francisco I, que vivía en el cercano castillo de Amboise, donde residían los reyes de Francia durante el Renacimiento.

El dormitorio de Leonardo era grandioso y, aunque enorme, esta impresionante chimenea de piedra habría mantenido la habitación calentita durante el invierno.

Gran admirador de la obra de Da Vinci, el rey Francisco I le nombró "Primer Pintor e Ingeniero y Arquitecto del Rey" y le concedió una generosa pensión, así como el uso del castillo.

Aunque solo tenía 64 años cuando llegó a Clos Luce, Da Vinci se acercaba al final de su vida y dedicó esos últimos años a la enseñanza, además de trabajar en proyectos para el rey francés.

Llevó consigo sus cuadernos de notas y tres de sus obras más famosas: la Gioconda, San Juan Bautista y Santa Ana, que ahora se conservan en el museo del Louvre de París.

Hoy en día, se puede ver una imagen del gran artista asomando desde un túnel bajo el castillo, que se cree que en su día unía el Chateau du Clos Luce con el castillo de Francisco I, para que ambos pudieran encontrarse todos los días.

Se dice que Leonardo murió en brazos del rey francés el 2 de mayo de 1519 y fue enterrado en la capilla del castillo de Amboise. Ambos castillos están abiertos al público, al igual que la tumba de Da Vinci.

Famosa sobre todo por sus autorretratos y su estilo surrealista, Frida Kahlo fue una pintora mexicana que utilizó su obra para explorar cuestiones de género, clase, raza, cultura mexicana y, sobre todo, su propia identidad.

De niña, Kahlo padeció poliomielitis y a los 18 años sufrió un accidente de autobús que le causó complicaciones médicas y dolores de por vida. Incapaz de hacer muchas de las cosas que deseaba, Kahlo utilizó su arte como medio para hacer frente a su propia pérdida y sufrimiento.

Durante gran parte de su vida estuvo postrada en cama, y pasó la mayor parte del tiempo en La Casa Azul, la casa familiar construida por su padre en 1904.

La propia Kahlo nació en la casa en 1907 y murió en ella en 1954. Cuatro años más tarde, el marido de Kahlo, Diego Rivera, donó la casa a la nación mexicana y la propiedad se convirtió en un museo. El Museo Frida Kahlo, como se conoce ahora, ha permanecido en gran medida como estaba en el momento del fallecimiento de Kahlo.

La casa en sí está construida en el tradicional estilo colonial mexicano, en torno a un patio central. Rivera hizo varias adiciones a la casa, entre ellas encerrar el patio por completo y añadir un ala, que se convirtió en el santuario y espacio de convalecencia de Kahlo.

La gran casa de dos plantas incluye esta cocina de vivos colores, varios dormitorios, amplias zonas comunes y estudios separados para ambos artistas. Está decorada con obras de artistas locales e internacionales, así como con numerosos objetos arqueológicos.

Durante su vida, Kahlo se implicó apasionadamente en política y fue una miembro declarada del Partido Comunista Mexicano, a través del cual conoció a Rivera. La Casa Azul se convirtió en refugio de muchos intelectuales y exiliados políticos, entre ellos el marxista ruso León Trotsky.

Sobre la cama de Kahlo aún cuelgan cuadros de sus dos ídolos, Mao y Lenin, mientras que su silla de ruedas permanece junto a un retrato inacabado de Stalin en el que estaba trabajando en el momento de su muerte.

La casa se transformó en museo bajo la cuidadosa supervisión del amigo de Kahlo y Rivera, el museógrafo y poeta Carlos Pellicer, que recibió instrucciones estrictas de dejar la propiedad tal como estaba.

Con la ropa de Kahlo aún colgada en su armario, y sus pinturas y pinceles dispuestos como si esperaran a que la artista los recogiera en cualquier momento, el museo es una oportunidad única para que los admiradores se sumerjan en la vida y la obra de Kahlo. Incluso sus cenizas están expuestas en una urna, para los visitantes que deseen presentar sus respetos.

Frederic Leighton fue un célebre pintor, escultor y dibujante del siglo XIX. Sus cuadros, de temática principalmente bíblica, histórica y clásica, fueron muy populares y caros durante su vida, pero perdieron el favor de la crítica en el siglo XX.

Aunque la carrera de Leighton incluyó éxitos profesionales, como llegar a ser Presidente de la Real Academia, representar a Gran Bretaña en la Exposición de París de 1900 y recibir el título de caballero, también estuvo salpicada por los entonces escandalosos rumores de supuesta homosexualidad e hijos ilegítimos.

Construida originalmente en la década de 1860, la casa-estudio de Leighton al borde de Holland Park, en Londres, fue un proyecto apasionante que absorbió gran parte del tiempo y la atención del artista hasta su muerte en 1896.

Leighton diseñó la casa para que cumpliera múltiples funciones: estudio, lugar de entretenimiento, vivienda y lugar de exposición de sus numerosas colecciones, y no reparó en gastos en su construcción. La propiedad aparecía regularmente en la prensa y llegó a ser sinónimo de la percepción pública de "cómo debe vivir un gran artista".

Conocido en Roma a principios de la década de 1850, Leighton contrató al arquitecto George Aitchison para construir la propiedad, a pesar de que no tenía experiencia en arquitectura residencial.

A lo largo de un periodo de 30 años que cambió su carrera, Aitchison fue responsable no solo del diseño exterior de la casa Leighton, sino también de su interior y de gran parte del diseño de su mobiliario. A raíz de ello, Aitchison fue contratado posteriormente por numerosos propietarios londinenses ricos y por sus inclinaciones artísticas como diseñador de interiores.

El elemento más emblemático de la propiedad es el Salón Árabe, una ampliación añadida entre 1877 y 1881. Leighton fue un gran viajero por todo el mundo y -en una serie de viajes a Turquía, Egipto y Siria entre 1867 y 1873- coleccionó una gran variedad de cerámicas, tejidos y objetos de arte, incluida la colección de azulejos de Damasco, que adornan las paredes del Salón Árabe.

El Salón se inspiró principalmente en el interior de un palacio siciliano-normando del siglo XII llamado La Zisa, en Palermo (Sicilia).

A pesar de sus muchos logros artísticos, la casa de Leighton en Holland Park es probablemente su obra maestra más duradera. En una carta de 1899 a The Times, una de las hermanas de Leighton explicaba: "Construyó la casa tal como está ahora para su propio deleite artístico. Cada piedra había sido objeto de su amoroso cuidado".

Tras una renovación de $10,2 millones (unos 9,5 millones de euros), la Casa Leighton reabrió al público como museo, donde los visitantes pueden ver el estudio del artista, sus obras de arte y las espectaculares colecciones que reunió con tanta pasión.

Conocido como el Padre del Impresionismo, Claude Monet fue un pintor francés famoso por sus impresionantes representaciones del mundo natural. Nacido y criado en El Havre, Normandía, Monet albergaba un amor perdurable por la campiña francesa, que se esforzaba por plasmar en sus obras, haciendo especial hincapié en los detalles más intangibles, como el cambio de luz o el paso de las estaciones.

Aunque Monet tuvo un gran éxito en vida, su fama se disparó a finales del siglo XX, inspirando el auge del Modernismo.

En 1883, Monet alquiló una casa y unos jardines en Giverny, donde se trasladó con su mujer y sus dos hijos con la esperanza de que el cambio le proporcionara cierta estabilidad doméstica. La casa incluía un gran granero, que Monet utilizó como estudio de pintura, así como un huerto y un pequeño jardín, que la familia cultivó con esmero.

Reforzado económicamente por su creciente éxito, Monet compró la casa en 1890 y seguiría viviendo en ella hasta su muerte en 1926.

Durante ese periodo de 40 años, los jardines serían la mayor fuente de inspiración artística de Monet, dando lugar a sus obras más célebres, incluida su mundialmente famosa serie de los "Nenúfares".

Durante la década de 1890, Monet amplió la propiedad, añadiendo un invernadero y un gran segundo estudio. Siguió cultivando él mismo los jardines con esmero, contratando a una flota de jardineros para que llevaran a cabo sus instrucciones, y adquiriendo terrenos cercanos y una pradera de agua para continuar la expansión.

Para no ser menos que su suntuoso entorno, la propia casa es un derroche de color, con paredes exteriores rosa rosado, contraventanas verde vivo y habitaciones bañadas por el sol en azules y amarillos brillantes.

Durante su estancia en Giverny, la casa de Monet fue lugar de reunión frecuente de innumerables artistas, escritores, políticos e intelectuales de todo el mundo. Entre ellos se encontraba John Singer Sargent, que se convirtió en su íntimo colega y amigo, y ambos se influyeron mutuamente en su obra durante varias décadas.

Hoy, la casa y los jardines son un museo abierto al público. Los visitantes pueden pasear por la cocina familiar, el comedor y el "salón azul", explorar los dormitorios que pertenecieron a Monet, Alice y sus hijos, y visitar el primer estudio de Monet, ahora colgado con reproducciones de su obra para evocar el espacio desordenado y activo que fue el estudio.

En el resto de la casa, el mobiliario y las obras de arte permanecen casi exactamente como estaban en el momento de la muerte del artista.

En 1945, Jackson Pollock, artista pionero y padre del movimiento expresionista abstracto, se casó con la también artista Lee Krasner y se trasladó de Nueva York a East Hampton, EE.UU.

Krasner esperaba que el traslado ayudara a Pollock, un alcohólico en apuros, a centrarse en su obra. Con un préstamo de la famosa marchante de arte y mecenas Peggy Guggenheim, la pareja compró una casita de campo con un granero que les serviría de estudio compartido.

Cuando la pareja se mudó por primera vez, la Segunda Guerra Mundial seguía haciendo estragos y la casa no tenía suministro de combustible, agua corriente ni siquiera un cuarto de baño. Lee lo describió como nada menos que "un infierno, por decirlo suavemente".

Aunque los artistas empezaron inmediatamente las reformas para convertir la propiedad en una casa y un estudio funcionales, no instalaron calefacción ni luz eléctrica hasta 1953.

A pesar de su naturaleza tosca, la casa satisfizo las necesidades de la pareja, que siguió viviendo y trabajando en ella hasta la muerte de Pollock en un accidente de coche en 1956, tras lo cual Krasner se quedó hasta su propio fallecimiento en 1984.

En la actualidad, la casa y el estudio se han convertido en un museo, abierto al público para visitas guiadas. La casa conserva muchos de los efectos personales de la pareja, como la colección de jazz de Pollock, su tocadiscos y su biblioteca privada.

La casa en sí es una granja muy tradicional con un generoso porche envolvente y este dormitorio sorprendentemente sereno.

El estudio de la parte trasera fue en su día un establo para el ganado, que Pollock y Krasner convirtieron en su primer proyecto de renovación. Fue allí donde Pollock desarrolló su famosa técnica de "salpicaduras", que se convertiría en su tarjeta de visita en años posteriores.

El estudio sigue repleto de reliquias de los diversos proyectos de los artistas, como tubos de pintura, trozos de vidrio coloreado e incluso un par de zapatos de trabajo de Krasner salpicados de pintura.

De hecho, el suelo del estudio está cubierto de salpicaduras de pintura dejadas por algunas de las obras más famosas tanto de Pollock como de Krasner, y se exige a los visitantes del museo que se quiten los zapatos antes de entrar en el estudio para preservar la pintura.

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